Elle intègre au collège un cursus horaire aménagé danse au conservatoire de Rouen qu’elle achèvera avec l’obtention du baccalauréat Technique Musique et Danse en 2011.
Elle poursuit sa formation à Lille avec une licence Art parcours études en danse où elle découvre et traverse le travail artistique de chorégraphes tels que Loïc Touzé, Hofesh Schecter, Olivier Dubois, Anne Teresa de Keersmaeker…
Après une initiation en art thérapie, son parcours et ses rencontres l’amènent à travailler dans une association montpelliéraine (L’aura danse) ainsi que d’intervenir dans plusieurs écoles primaires avec l’enthousiasme et l’envie de transmettre, de sensibiliser, de découvrir la danse dans un contexte pédagogique. En 2020, de retour en Normandie, elle rencontre “la troupe des rêveurs” qui sème leurs arts sous les fenêtres des habitants et intègre la compagnie NOESIS dans laquelle elle participe au projet Carnaval Sauvage.
http://cie-noesis.org/v2/wp-content/uploads/2021/07/DANSER-A-L-ECOLE-CIE-NOESIS-2.pdf
Elle s’est d’abord formée aux claquettes puis à la danse contemporaine. Au Pont Supérieur de Nantes où elle obtient le Diplôme d’État de professeur en 2015, avant de poursuivre une formation de danseuse-interprète à l’École Supérieure du CNDC d’Angers. Actuellement, elle travaille en tant qu’interprète pour la compagnie NOESIS. Elle est également danseuse et chorégraphe associée pour la compagnie Murmuration, et travaille avec Sarah Pellerin-Ott pour le projet de recherche chorégraphique La Flemme.
Depuis 2020, elle s’associe à Agata Jarosova pour chercher et créer ensemble à partir de matériaux inconnus pour elles. Parallèlement, elle se forme à la pratique du Shiatsu, soin énergétique basé sur la médecine traditionnelle chinoise.
http://www.cie-noesis.org/creation/Creations.htm
Lorène Plé est diplômée de l’école supérieure d’arts & médias de Caen/Cherbourg (DNSEP Art option Art en 2020). Elle a suivi un cursus en danse Jazz au Conservatoire régional de Caen de 2012 à 2019 et pratique les arts martiaux : Aïkido, Capoeira et Qi Qong.
À travers différents médiums (dessins, sculptures, vidéos, sons, écritures, maquettes, photographies), elle poursuit depuis plusieurs années une recherche qui l’implique activement dans les espaces qu’elle traverse. Fabriquer des outils et dispositifs d’écoute et de visualisation pour augmenter et explorer de nouvelles modalités de perception du corps dans le monde en tant que système environnemental. Ses outils ont pour vocation d’ouvrir des espaces de méditation, réflexion, pensée, concentration nouvelles dans le souhait d’un partage qui veut transmettre et communiquer ses propres expériences. Ses recherches tendent à confronter le langage artistique à d’autres domaines scientifiques : biologie, géologie, informatique, électronique, médecine… Ses dernières recherches l’ont conduite à la conception d’un four solaire, un objet complexe métaphorisant des systèmes physiques, terrestres fondamentaux (effet de serre, transformation moléculaire, dynamique de l’énergie solaire.)
Elle a récemment participé à Caen à l’exposition des diplômés à l’église Saint-Nicolas puis à la Résidence de recherche de l’Artothèque de Caen.
Julie Hega est chanteuse, actrice et plasticienne. Après 10 ans au Conservatoire de Caen où elle étudie le violoncelle, le chant choral et l’orchestre, elle se passionne pour le théâtre et les arts plastiques qui viennent enrichir une pratique artistique pluridisciplinaire. Entre 2013 et 2015, elle suit la formation professionnelle de comédien à La Cité Théâtre (Caen). Au cours de son cursus, elle rencontre deux artistes avec lesquels elle travaille par la suite : François Lanel, avec qui elle crée Massif Central et Thomas Jolly de la Piccola Familia pour Le Ciel La Nuit et la Pierre Glorieuse, une série théâtrale créée au Festival d’Avignon en 2016. Elle joue en 2017 dans la pièce Sombre Rivière, créée avec la compagnie Vita Nova, dirigée par Lazare, au Théâtre National de Strasbourg. La même année, elle est nommée Talent Adami Théâtre et collabore avec Samuel Achache et Jeanne Candel (Collectif La Vie Brève) pour la création du spectacle La Chute de la Maison au Festival d’Automne (puis elle travaille sur une version radiophonique de cette même pièce avec France Culture). Depuis cette collaboration, elle développe sa pratique du chant lyrique avec Sylvie Deguy et Nikola Takov, en s’intéressant à la plasticité vocale. En 2019, elle interprète Desdémone dans la pièce Othello mise en scène par Arnaud Churin, créée à la Scène nationale 61 et reprise au Théâtre de la Ville (Paris). Enfin, elle a fait partie des trois artistes français élus par le Ministère de la Culture pour participer à la Commission Internationale du Théâtre
Francophone. Elle joue dans l’opéra Innocence dont la création mondiale s’est tenue au Festival d’Aix-en Provence en 2021, avant d’être repris à Amsterdam, Helsinky et Londres. Une œuvre musicale multilingue inédite composée par Kaija Saariaho, dirigée par Susanna Mälkki et mise en scène par Simon Stone, à voir sur Arte Concert.
Céline Ohrel est comédienne, metteure en scène et auteure. Elle a étudié la philosophie à Rennes et en Pologne. Elle consacre son travail de DEA au théâtre de la mort de Tadeusz Kantor au regard de la philosophie de l’existence. Puis elle part à Bruxelles, où elle intègre l’INSAS en mise en scène. Durant ces années, elle joue dans différentes formations, projets, stages et se forge une expérience d’interprète en marge de ses premiers essais personnels. Sa route continue, protéiforme, dans le monde professionnel entre la Belgique et la France. Elle a joué notamment pour Galin Stoev (Liliom), Adeline Rosenstein (Décris-Ravage), Léa Drouet, Thibaut Wenger, Jean-Baptiste Calame (Les Viandes magnétiques), Martin Legros et Sophie Lebrun (Orphelins-Vertige de l’Amour, Collectif Cohue), Fanny Catel et Jean-Noël
Françoise (Compagnie Hors d’œuvre)… Côté mise en scène et écriture, elle a été assistante à la mise en scène dans la compagnie de danse Mossoux-Bonté (Belgique) et crée en 2011 sa compagnie Diplex avec Arnaud Poirier, son compagnon musicien photographe et anthropologue. Elle écrit et met en scène Enfant Zéro en 2012, Eden Expérience(s) en 2016 avec le soutien de La Communauté française
Wallonie-Bruxelles. Ces deux premières créations sont coproduites avec le Théâtre de La Balsamine (Bruxelles). Diplex travaille aussi sur des formes hybrides comme UR (Théâtre de la Balsamine-2012), La Promeneuse (Festival Premiers Actes- France-2013), et nomorefuture à Caen (Réseau DOG – France) avec l’aide la Région Normandie. En 2015, Céline Ohrel a été invitée par Georges Banu pour intervenir à la Sorbonne dans le colloque organisé à l’occasion du centenaire de Tadeusz Kantor, pour partager ses recherches philosophiques sur son œuvre. En 2020/2021, elle crée Halloween Together et travaille actuellement à l’écriture d’un nouvel opus : MY STORY.
Séverine Rième est danseuse, chorégraphe, créatrice lumière. Elle est interprète dès 1998 dans plusieurs compagnies puis à partir de 2004 elle chorégraphie ses propres pièces jusqu’à sa dernière création Nos Féroces, présentée dans le cadre des Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis en mai 2017.
En 2008 elle suit une formation en lumière et prolonge sa réflexion chorégraphique par une approche physique et organique de l’éclairage scénique, et à partir de 2009 elle réalise les lumières et/ou la scénographie de nombreux projets avec entre autres les chorégraphes Marianne Baillot, Lorena Dozio, Myriam Gourfink, Arantxa Martinez, Mickaël Phelippeau, Enora Rivière, Alexandre Roccoli, Mark
Tompkins.
En 2018, elle crée la chorégraphie et les lumières de la pièce Qyrq Qyz auprès de l’artiste visuel ouzbek Saodat Ismailova, dont les premières ont eu lieu à la Brooklyn Academy of Music à New-York.
Elle travaille actuellement à de nouveaux projets de création et de recherche qui verront le jour en 2020.
« Samuel Buckman est un promeneur solitaire. Il s’immerge dans son sujet en en prenant la mesure de ses propres pas, arpente les espaces, débusque ce que personne d’autre que lui ne voit. Il collecte des objets, formes hétéroclites, fragments de matières, bouts de chaos, silex, clous rouillés, tessons… À la recherche de l’écume du temps, faire le plein de sensible, comme une membrane exposée aux soubresauts du monde, aux échos des bombes, à l’air qui en retient encore le souffle. L’artiste collecte, opère des rapprochements, mises en perspectives, recoupements, comme tous ceux qui cherchent à comprendre comme les écrivains qui construisent leurs histoires autour d’un mystère.
Il enquête un peu à la manière d’un ethnographe, un peu comme un archéologue aussi…
Mais Samuel n’est ni ethnologue, ni archéologue. Il reconstruit librement à partir de morceaux de réel glanés çà et là, sans pour autant que ce ne soit n’importe où. Et s’il fait figurer des objets que l’archéologue écarterait de son corpus, ce n’est guère pour grimer une discipline sérieuse en loisir d’enfant irresponsable. Si les objets qu’il intègre à ses installations seraient pour beaucoup d’entre eux, et selon les critères de la science, tout simplement des « faux », ils revêtent chez Samuel Buckman, une pure authenticité, qui est celle de l’œuvre. Et, à travers elle, l’artiste saisit une vérité qui n’est pas moindre que celle des hommes de science. Ce faisant, Samuel Buckman, en « honnête homme », dit aussi tout son amour romanesque pour l’histoire, sans en faire exactement pour autant.
Samuel Buckman fait beauté de l’énigme du monde, de la question qui restera toujours en suspens. »
“Jeunes architectes, nous partageons un discours commun teinté de rencontres, d’échanges et d’engagements (environnementaux, politiques, sociaux et sociétaux). Ces derniers semblent indissociables de notre pratique de l’architecture. Le bon sens et la sincérité des événements de la vie quotidienne représentent une source d’inspiration inépuisable. Nous aspirons à les révéler, à impulser des dynamiques positives et conviviales.
Le format de la permanence architecturale – expérimenté lors de précédents projets – correspond à notre manière de pratiquer l’architecture. Nous pensons l’architecte comme un médiateur entre les différents acteurs du projet, un facilitateur qui donne les moyens d’accomplir les désirs des usagers. Sa mission : initier un espace vécu, durable dans le sens de l’appropriation et de sa mise en œuvre. L’acte de Faire ensemble, permis grâce à l’horizontalité des rapports entre les différents acteurs, permet une prise de conscience des enjeux véhiculés par le projet.”
Après avoir suivi le cursus littéraire Hypokhâgne/Khâgne, Laura Mazeaud se forme à Paris en danse contemporaine auprès de Corinne Lanselle, Béa Buffin ou encore Julien Desplantez. En 2012, elle obtient la partie pratique du Diplôme d’État pour le professorat en danse contemporaine, au moment où débute sa carrière professionnelle. Passionnée par la pluridisciplinarité, elle suit des cours de hip-hop, pop et
house à la Juste Debout School. En 2013, elle commence sa formation au jeu d’acteur et se forme au chant au conservatoire à Paris. En 2012, elle co-chorégraphie sa première pièce Ubuntu avec Oussama Khalid, un duo mêlant danse contemporaine et krump. Elle intègre la jeune compagnie de physical theater de Jasmin Vardimon JV2 en Angleterre et part en tournée nationale avec les pièces Tomorow de Jasmin Vardimon, Vohlfs de Paul Blackman et Christine Gouzelis (Jukstapoz Cie) et Wear Your Wounds de Marilena Dara. En 2017, elle est engagée par Tomos Young (ancien danseur de la Stopgap Dance Company) dans la compagnie de danse inclusive InterDanse pour la pièce #onesttoutslashrien. Suite à une commande pour le Festival Danse de tous les Sens (Normandie), elle créé le solo de physical theater Surfaces Sensibles en 2018. La même année, elle rejoint la troupe de La Nébuleuse d’Hima en tant que danseuse et comédienne. Une collaboration entre Laura Mazeaud et Faustine Berardo, leader du groupe et artiste pluridisciplinaire, débute en 2020 afin de développer et d’allonger le solo. Toujours en 2018, elle est engagée en tant que chorégraphe par la production de la série SKAM (France 4) et chorégraphie trois scènes pour la fiction. Elle chorégraphie également des vidéoclips et assiste d’autres chorégraphes en tant que regard extérieur et conseillère dramaturgique. C’est d’ailleurs suite à la création du clip Cranes in the Sky en 2019, réalisé par Marine Pichon, qu’elle a décidé de fonder la compagnie de danse et physical theater Ellaya, afin de bénéficier d’un espace pour s’exprimer, échanger et partager.
Neysa Barnett est compositrice et chanteuse du groupe UTO (Paris). Les synthétiseurs savent peut-être quelque chose des humains. Mais notre voix fragile sait aussi se défendre de ces devins – elle peut leur voler leurs armes. Ce combat amoureux produit un son particulier sous le nom de UTO, référence à un vieux chien croisé sur leur route. La naissance du groupe est officialisée avec la sortie de leur EP Shelter for the Broken (2017) chez Pain Surprises, un premier ensemble hétérogène mêlant pop et trip- hop.
Leur second EP The Night’s Due (Le dû de la nuit) brouille les pistes : à la monotonie des boîtes à rythmes qui battent le temps qui passe, répondent des mélodies d’un autre temps, baroques, mystiques et brumeuses portées par d’élégants synthétiseurs, des touches de piano spectrales, et des cuivres lents qui finissent par engloutir chaque morceau. Une mélancolie inquiète habite la voix de UTO, qui n’est pas
sans rappeler celle de Hope Sandoval et de Björk.
UTO est une histoire d’amour. Émile et Neysa vivent ensemble chez la grand-mère d’Émile dont les objets n’ont pas bougé depuis les années 70, là où ils composent à deux avant de s’endormir bercés par Portishead, Bob Dylan et Aphex Twin. Neysa a grandi en face de la prison de Fresnes. Il y avait la prison, l’A86 et le onzième étage de sa tour HLM. 18 ans dans cette chambre à regarder cette ville-dortoir, ça force à rêver et composer de jolis textes. Ce qu’elle fait accompagnée d’Émile qui compose des bandes-sons à la lisière du trip-hop et la pop. Quel que soit le genre où vous voudriez les ranger, ils ne se laisseront pas apprivoiser.
Au sortir de son master en ingénierie du sport, Émilie Rougier préfère suivre ses amis et former le trio synth-rock montpelliérain Marvin plutôt que de chercher un vrai boulot. Cette expérience dure 15 ans, elle sillonne l’Europe au gré de tournées marathon, le Korg MS20 et le Vocoder devenant alors ses outils d’expression favoris. Marvin évolue ensuite au sein du collectif La Colonie De Vacances, groupe quadriphonique supersonique. À côté de cela, elle est souvent djette, en résidence au Rockstore à Montpellier et dans de multiples festivals, compose la musique d’un documentaire et joue de son instrument fétiche dans un projet de danse féministe. Cette dernière expérience sororale l’amène à
prendre un virage, elle laisse derrière elle ses premières amours musicales, quitte Montpellier. Elle s’essaye alors timidement à un nouvel instrument, pour passer le temps. De cette expérience naît Ma Guitare, série d’autofiction radiophonique. Elle continue aujourd’hui ses créations sonores et ne lâche jamais trop longtemps son MS20.
Diplômée de l’école supérieure d’arts & médias de Caen/Cherbourg, elle travaille le dessin et l’illustration.
Son approche du dessin se fait sous forme de lignes simples et précises, de formes épurées esquissées à l’encre. Elle a fait de son coup de crayon, faussement enfantin et parfaitement maîtrisé, une véritable signature. Alice Dufay décline son univers, aussi onirique que poétique, sur tous les supports.
Virginie Meigné capte le mouvement artistique et restitue l’ambiance live avec son regard propre. Elle parvient à transmettre l’éventail de couleurs qui baigne l’image. Sa collaboration avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre lui a permis de diversifier ses approches. Dans ses reportages sociétaux, elle se place à même hauteur que le sujet. Jamais une image « prise d’en haut. «
Géographe de formation, Emmanuel Blivet réalise ou est à l’origine de commandes de presse nationale et d’entreprises. A chaque projet son langage. Il souhaite rester libre et ne pas s’enfermer dans un style. Il participe à des projets collectifs d’exposition et éditoriaux ( revue Michel et magazine en ligne Grand Format), et ouvre sa pratique aux différents médias pour raconter le monde en Normandie et ailleurs, avec une approche sociale et environnementale souvent liée aux enjeux de territoires.
Journaliste indépendante à Caen pour des médias régionaux et nationaux, membre fondatrice du média normand Grand-Format et de la revue Michel. Auteure de documentaires sonores et multimédia. Enseignante vacataire à l’université et intervenante en éducation aux médias dans les établissements scolaires et en prison, résidences de journaliste et projets culturels.
L’Activateur de Territoires est créé en 2018 avec Jeanne de Reviers, paysagiste. Implantée en Seine-Maritime, l’association a pour objet d’intégrer les enjeux de la transition écologique dans les choix d’aménagement du territoire. C’est dans ce contexte que Clotilde anime l’initiative « Douvrend réinvente la campagne » près de Dieppe où elle y interroge avec les habitants, les usages et le paysage des espaces publics du village, et y expérimente des propositions, contribuant à alimenter les réflexions sur la ruralité.
Maxime Bricheux et Rachel Doumerc (Le Havre) questionnent les interactions entre les habitants et leur environnement dans l’espace commun, là où ils peuvent vivre ensemble. Basé au Havre, TERR’O mène un travail complémentaire de recherche, d’expérimentation et de transmission en valorisant la maîtrise d’usage et les ressources in situ.
Architecte et photographe d’architecture, Antoine Seguin s’intéresse à l’occupation des sols et des murs. Ses travaux (photographie, illustration, édition ou installation) documentent ou provoquent les appropriations imprévues et discrètes. Parallèlement, il réalise des travaux de commandes pour les disciplines de l’architecture, du paysage et de l’urbain. Depuis 2018, il co-édite la revue Exercice.
Performeur, dj, danseur, organisateur d’événement autour de la musique et d’autres formes d’arts, Jean Vrai parle d’Amour. Il vient de créer un collectif artistique avec des ami(e)s, Love Louder, ils organisent des événements en journée ou l’amour et l’humain sont au centre.
Liz Santoro est une chorégraphe et danseuse née aux Etats-Unis, vivant actuellement à Paris. Elle co-dirige la compagnie de danse Le principe d’incertitude avec l’artiste Pierre Godard. Ensemble, ils créent des pièces de danse expérimentale qui explorent les points de contact entre le mouvement et divers domaines de recherche humaine tels que le langage, l’identité, la théorie de l’information, les neurosciences, la biologie cellulaire, l’attention, l’architecture et le paradoxe, pour n’en citer que quelques-uns.
Margot Dorléans s’investit dans les champs de la danse, de la performance et du soin. En 2014, elle crée au Havre la compagnie Du Vivant sous Les Plis. Elle place le corps en tant que matière vivante et poétique au cœur de ses projets artistiques à partir desquels se déploie la danse, l’espace sonore et celui du plateau dans ses créations chorégraphiques.
Plasticien, musicien et performeur issu d’une famille de circassiens, Rudy Dumas est un artiste touche à tout qui porte une attention particulière à l’installation, à la brutalité des matériaux, aux objets délaissés, une attention sensible à la frontière entre le brutal et le sensuel. Parfois, ce sont ses propres limites physiques qu’il éprouve, comme une énergie transmise qui rend hommage à l’objet.
Le producteur travaille avec des labels de Bristol (Livity Sound, Timedance ou Wisdom Teeth), mais aussi au sein de la scène française avec BFDM ou Fragil Musique et collabore également avec des artistes tels que Bambounou ou Low Jack. Il propose également ateliers et masterclasses. Son style se déploie un très large répertoire et lui permet de jouer avec de nombreux artistes.
Musicien, Vincent Condominas est membre des groupes Makeshift et VEIK. Depuis 2019, il accompagne le musicien Adrien Legrand. Guitariste et bassiste, il s’initie aux synthés analogiques par la composition et l’arrangement au sein de ces formations. Privilégiant une pratique instinctive de ses instruments, il affectionne autant les mélodies pop que les approches bruitistes.
Adrien Leprêtre a commencé la musique avec les Concrete Knives qui ont parcouru la France et l’Europe. Depuis, il développe Samba De La Muerte. Il intervient aussi comme conseiller artistique, producteur et arrangeur. Il expérimente avec son groupe de musique improvisée Mamba De La Suerte, qu’il associe dans sa démarche avec la création du label Collectif Toujours.
Actuellement étudiante à l’ésam Caen/Cherbourg, Adèle explore différents médias tels que la terre, les techniques d’estampe, le son, le volume ou l’écriture. Sensible à ce qui l’entoure, ses recherches s’orientent autour du rapport entre l’être humain et son environnement, au sens proche comme plus largement. Ses réflexions traversent ainsi les thèmes du rapport au corps ou au vivant, ou bien de l’identité culturelle des communautés et de leur usage des territoires.
Né en 1969, vit et travaille à Caen. Après un parcours universitaire en Philosophie à l’université Sorbonne-Panthéon, il se consacre ensuite aux Arts Plastiques. Jusqu’en 2009, il participe à de nombreuses expositions personnelles en France et dans le monde (Paris, Barcelone, Kiev, New York, Moscou…). En 2007, en s’associant avec la réalisatrice new-yorkaise Maryann De Leo, il réalise le documentaire White Horse, très remarqué dans les festivals internationaux. Cette première expérience de cinéma constitue pour lui une véritable bifurcation biographique puisqu’il cesse peu à peu de peindre pour se dédier progressivement uniquement au cinéma à partir de 2009. Sfumato est son premier long métrage. Il travaille régulièrement avec la cie Noesis.
Violoncelliste compositeur. Il travaille avec Ashley Chen à l’élaboration de bandes sonores pour les spectacles de la compagnie Kashyl, il utilise aussi bien les méandres de l’harmonie que la création de textures sonores concrètes inspirés par les sons extérieurs et les bruits vivants du chaos.
Après une solide formation en danse classique, Eléonore Guipouy se dirige progressivement vers le contemporain (l’Académie Internationale de la Danse puis CNR des Abbesses). En 2004, elle obtient un Diplôme d’Intervenant Spécialisé en Art Thérapie à la Faculté de Médecine de Tours et un Certificat d’Études Corporelles en Danse contemporaine à Paris III Sorbonne Nouvelle.
C’est en 2010 qu’elle co-fonde la Presque compagnie avec Charlotte Rousseau qu’elle a rencontrée quelques années plus tôt à la fac dans les cours de Lyse Seguin. Depuis elle l’assiste et danse dans les créations de la Presque Compagnie.
Elle a également travaillé avec Johnny Ludécher, Macha Makeïeff, Thomas Stäche, Christoph Marthaler, et les UPSBD Marlène Saldana et Jonathan Drillet et a dansé à l’Opéra de Lyon, à l’Opéra Garnier, au Théâtre de la villette, au Théâtre de Gennevilliers…
En 2014, elle obtient son diplôme d’Etat de professeur de danse contemporaine (au CEFEDEM de Normandie). Depuis, elle donne de nombreux cours de danse contemporaine et workshops dans différentes structures et développe les projets pédagogiques de la Compagnie. Elle obtient son Diplôme d’Etat de Professeur de danse contemporaine et dispense depuis de nombreux cours entre Paris et Rouen.
Artiste résolument pluridisciplinaire, danseuse, chorégraphe, musicienne, vidéo-artiste, Charlotte Rousseau revendique ses pratiques multiples qu’elle fait dialoguer pour produire des images (fixes ou en mouvements) et objets scéniques originaux et singuliers.
Depuis 2010, elle dirige LA PRESQUE COMPAGNIE, une fabrique atypique de spectacles vivants, de formes atypiques dansées, de performances, happenings et d’installations. « Presque » pour interdire d’être enfermé dans un genre, « Presque » pour laisser la liberté de la forme… Elle créée cette année « JUSQU’AU SOIR », « Plan B », « Oubli Total », « Activité Rémunérée » et différents projets in-situ ou performances comme »La Parade », « HOPE » les « Free slow »…
Elle développe aussi « Les vies possibles », un projet-concept qui catalyse son travail musical et vidéo, et avec lequel elle développe sur musique électro des projections audio-visuelles expérimentales; travaillant sur le temps et sa perception, interrogeant inlassablement le sens des images.
Il est né à Florence où il pratique l’athlétisme de 9 à 17 ans, étudie le violon et la guitare. Suite à un accident, immobilisé à l’hôpital, il a la révélation que seuls le son et le mouvement comptent pour lui, il a 20 ans. Il commence par étudier la danse classique au Centro Studi de Florence. Après les premières expériences avec le groupe Imago, il rencontre Kazuo Ohno, part pour Paris, étudie avec Catherine Diverres, Pierre Doussaint. Il travaille avec Sidonie Rochon, Brigitte Asselineau et dans plusieurs création de Santiago Sempere. Il participe à deux éditions du Skite (laboratoire international des artistes) à Paris et à Lisbonne. Il crée en 1993 la compagnie Silenda dans la quelle co-signe les chorégraphies, compose des musiques et élabore les décors.
Née en Toscane (Italie), Laura Simi se forme d’abord à la danse classique, puis à toutes formes de danses, à l’école CSD de Florence ; étudie le répertoire classique et baroque. Se forme à plusieurs techniques à Rome et Milan, en Allemagne et en Suisse. Elle se forme ensuite aux États-Unis avec Martha Graham, Alvin Nikolais et travaille à New York avec le chorégraphe Richard Haisma et des danseurs de M. Cunningham. Puis, elle est engagée dans la compagnie Imago en Italie. En 1993 elle fonde Silenda avec Damiano Foa.
Alexandre Le Petit a travaillé à Bruxelles comme dramaturge pour de nombreuses compagnies et projets interdisciplinaires. Il fonde à Caen avec Flora Pilet la compagnie Noesis et l’institut nomade en 2014, où ils développent recherches, expérimentations et hybridations et font exister des questions philosophiques et politiques au cœur du champs artistique et culturel. Leurs créations relient également le plateau comme micro-politique aux espaces intermédiaires, aux espaces publics et aux marges, aux hôpitaux psychiatriques, aux maisons de retraites, aux prisons, avec un lien fort au cinéma, à la musique, et à la radio.
Flora Pilet s’est formée à la danse contemporaine d’abord dans les cours d’Isabelle Journiac, puis au conservatoire d’Orléans. Elle poursuit sa formation à Paris en parallèle d’études de philosophie à Paris VIII. Elle s’intéresse à différentes pratiques somatiques et au contact improvisation issues de l’enseignement de Patricia Kuypers, Alain Monterbran, Benoit Lachambre, Sarah Shelton Man, Fabrice Ramalingom ainsi que de la danse butô qu’elle découvre dans l’enseignement de Sumako Koseki.
Ashley Chen fait ses études au Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris et intègre la Merce Cunningham Dance Company. En France, il rejoint le Ballet de l’Opéra de Lyon jusqu’en 2006 puis multiplie les collaborations en Europe. En 2012, il fonde la compagnie Kashyl et travaille sur sa prochaine création de groupe Distances.
Réalisateur québecois installé à Trouville, il a réalisé plusieurs films à travers le monde avec le mouvement Kino. Il se spécialise dans la réalisation de court-métrage de fiction mais a aussi tourné plusieurs clips, des séries web et a participé à plusieurs projets artistiques pluri-disciplinaires. Il encadre des ateliers vidéos avec les jeunes depuis 2015 en France et en Belgique.
Musicien, auteur et compositeur de formation (en groupe et en solo), il a intégré la nécessité de maîtriser la production vidéo dans le cadre de sa communication qu’il a pu développer avec plusieurs réalisateurs dans le cadre du festival Off-Courts. En 2020, il crée La CLEF, structure dédiée à la citoyenneté, la laïcité et la culture à travers la pratique artistique, musicale et vidéographique.
Formé à la réalisation cinématographique documentaire, il découvre le travail du son qui l’amène au spectacle vivant. Depuis 2004, il collabore en tant que musicien avec des compagnies de danse et de théâtre. En parallèle, Il réalise des installations sonores, visuelles et numériques. Le rapport à l’image documentaire y est souvent présent comme sa pratique de la spatialisation sonore.
Cendres Delort explore le langage et son travail de création s’appuie sur le théâtre, la lecture publique, la performance, le graphisme, la photographie, les entretiens sonores et passe régulièrement par une période de recherche et formation qui engendre rencontres et collaborations. La spatialisation de ses œuvres est une préoccupation centrale, aussi bien dans des lieux fermés que dans l’espace public.
Yann Fontbonne (Juste Oreilles) pratique les musiques improvisées et électroniques, le live sur machines et instruments de percussions, ainsi que les différentes étapes requises par la production musicale qu’il développe au sein du Studio Neura, dédié à tout type de créations sonores.
Est- il possible que l’homme nostalgique puisse apercevoir une image heureuse de l’altération causée par le temps ? En me promenant dans de nombreuses fondations en fin de vie, laissées à l’abandon, en déambulant dans ces ruines qui étaient auparavant de somptueuses bâtisses remplies de trésors et mobiliers tous si riches d’histoire et de souvenirs, je voyage. Dans ces anciennes friches industrielles, j’admire les façades usées par le temps, craquelées par l’usure, c’est déjà une forme d’art. Mon rôle sera ainsi de garder en mémoire ces lieux, à l’aide de la peinture, de la sculpture, de l’installation, mais aussi la photo. Un jour, ce dernier pan de mur tombera. Il laissera ainsi place à un nouvel espace. Ce lieu à son tour vivra, puis avec le temps, il sera un jour détruit. C’est le temps qui passe, et qui ouvre aux curieux de nombreuses façon de raconter et de recréer des histoires.
Diplômé de l’ésam Caen/Cherbourg en 2015, Adrien Melchior est artiste, designer sonore freelance (et intervient aux Gobelins l’école de l’image Formation Design et Management de l’Innovation Interactive), photographe et musicien. Basé entre Paris et la Normandie, il explore de nombreux territoires créatifs avec la même sensibilité et un goût pour la narration.
Diplômé de l’ésam Caen/Cherbourg en 2018, il fait du voyage une source de création et de productions (installations, photographies et récemment le livre avec Les États-Unis d’Amérique aux éditions [dere]) qu’il pratique en auto-stop sans argent, ni téléphone et dérivant au gré des rencontres et des circonstances. Il pense le voyage par les mots et les images et les gestes.
Producteur (Souleance, Peter Digital Orchestra, Claude), Fulgeance produit un son autant inspiré par les musiques des années 70 que le hip hop instrumental et électronique et la musique noire. Présent sur de nombreuses scènes internationales, il publie sur son label Musique Large mais aussi chez Ed Banger. Il développe un format « quartet » de Souleance et prépare un album et live solo pour 2021.
Nicolas Marsanne est multi-instrumentiste et collabore en tant que guitariste et arrangeur à deux albums de Katel. Avec Grand Parc et Annie Langlois, il sort un album en 2015 et Pull Noiren mai 2020. Il joue dans différents groupes et produit et réalise plusieurs albums pour d’autres. Enfin, il s’investit activement dans des projets d’action culturelle basé sur la création de paysages sonores.
Musicienne, elle est en 2012 à la guitare électrique et aux chœurs avec le groupe Embrasse-Moi puis se concentre sur le groupe Grand Parc avec Nicolas Marsanne dont le travail de co-écriture mène à un album et une tournée en 2015 puis Pull Noir paru en mai 2020. Depuis janvier 2020, elle est claviériste-choriste pour le groupe King Biscuit (dont Hammer it ! est sorti en février 2020).