Chapitre 1
Session 1

Originaire de France, Ambre Orfao débute la danse contemporaine au Centre Culturel
Isadora Duncan avec Dominique Petel, à Igny. Elle poursuit sa formation de danseuse à
Orsay avec Ogun Jacorau, puis au Conservatoire à Rayonnement Régional de Versailles. À
l’âge de 14 ans, elle s’installe à Paris pour étudier au Conservatoire à Rayonnement
Régional de Paris, où elle obtient son diplôme en 2017. Désireuse de découvrir d’autres
communautés de danse et d’avoir plus d’exposition au monde, elle s’installe au Canada et
s’inscrit à The School. du Toronto Dance Theatre. À l’École, elle a eu l’occasion de
travailler avec des chorégraphes incroyables, dont Peggy Baker, Marc Boivin, Sharon B.
Moore, Jennifer Dallas et David Norsworthy. Elle a joué dans divers projets notamment
Dérives de Noémie Lafrance, une performance in situ au Bentway, et Petroleum: A
Triptych de Jeanne Lewis pour le festival Fringe de Toronto 2019. Elle a participé à des
intensifs d’été dont le Stage international, MORPHING/ÉVOLUTION 2 de la Compagnie
Marie Chouinard et One Body, One Career Countertechnique Intensive (OBOC) à
Amsterdam. En tant qu’artiste, Orfao s’inspire de l’émotion dans la danse et de la façon
dont les sentiments peuvent créer du mouvement et connecter les gens. Elle espère
danser et créer dans différentes parties du monde. LIFE UNDER MY SKIN sera le premier
album d’Ambre Orfao avec le Newton Moraes Dance Theatre.

Japonaise vivant en France, Mai Ishiwata a fait ses études au Conservatoire National Supérieur de Paris. Au terme de ses études, elle commence avec la compagnie les Passagers spécialisée dans les spectacles de rue et dans la danse verticale.

En 2011, elle rejoint en tant qu’interprète la compagnie Traction dirigée par Claire Durand-Drouhin dont les créations l’implique aux côtés de résidents de l’hôpital psychiatrique de Limoges. En 2014, Cécile Loyer – compagnie C.Loy l’invite à la création d’Une pièce manquante. Depuis, elle participe à plusieurs projets avec son équipe jusqu’à aujourd’hui.

Parallèlement à ce parcours, elle rencontre le butô à travers Ko Murobushi et Carlotta Ikeda qui dirige la compagnie Ariadone qu’elle intègre en 2010. Actuellement, elle danse « Utt », solo originellement chorégraphié par Ko Murobushi pour Carlotta Ikeda et collabore avec la compagnie Medulla – Naomi Mutoh et Laurent Paris sur leur nouvelle création Le grand luminaire.
Cette collaboration qui réunit trois générations différentes d’anciennes danseuses de la compagnie Ariadone, n’empêche pas Mai Ishiwata de rester impliquée auprès de chorégraphes contemporains tels que Philippe Ménard, Ashley Chen.

Ses films émergent de rencontres en territoire et en langue inconnu, auprès de femmes et d’hommes aux vies très éloignées de la sienne. Ils prennent la forme de témoignage, qu’il s’agisse de l’engagement de femmes tunisiennes dans les premières élections municipales libres ou des émois amoureux d’un jeune bouvier de la Vallée d’Aoste.

Membre de la compagnie depuis 2013 et maintenant danseur interprète à temps plein, à 22 ans, il possède un vécu sur le circuit compétitif du breakdance. Il a eu la chance d’être investi sur de nombreux projets en lien avec la photographie et la vidéo : danseur figurant pour la série « le monde de demain » (biopic ntm), une publicité pour la marque krys, danseur dans un clip de rap à Hô Chi Minh au Vietnam… Aujourd’hui, Valentin met en scène puis écriT la majorité de notre création. En plus d’être danseur, il est également poète et n’hésite pas à mettre cette compétence au profit de la création.

Membre de l’association depuis sa création et danseur depuis maintenant plus de dix ans, il est actuellement investi à temps plein dans la compagnie en tant que danseur interprète, coordinateur de projets mais aussi beatmaker.

Ayant participé à de nombreuses compétitions internationales et nationales, il possède de nombreuses expériences. Il a notamment eu l’occasion d’être investi sur différentes créations chorégraphiques telles que la compagnie « 6 ème dimension » (Séverine Bidaud), la création « infortune » (christophe zami) et le collectif « et maintenant » (Helene Rousselle).Il est également producteur musical et met donc à profit son savoir-faire au sein de la compagnie en réalisant l’intégralité de nos bandes sonores.

Passionnée d’art, a effectué une saison 21/22 en apprentissage à Oblique/s dans le cadre d’une Licence professionnelle Communication et valorisation de la création artistique au CFA des art de la scène de Nancy (Opéra de Lorraine) à l’issue de laquelle elle a intégré la structure pour la coordination et la médiation.

Autrice et chercheuse en philosophie contemporaine, entre l’Université Libre de Bruxelles (BE) et l’Université Toulouse Jean-Jaurès (FR). Son travail d’écriture se déploie sous plusieurs formes, entre essai philosophique, poésie et critique artistique. Par ses expérimentations autour du langage et de ses possibilités, elle tente de questionner les multiples manières avec lesquelles nous tissons nos relations aux différents mondes que nous habitons. Elle interroge pour cela l’expérience sensible en tentant de traduire en mots différentes épaisseurs de l’existence. Parmi ces points d’attention se trouvent les questions du temps, du corps, de la mémoire, du mouvement pensé à partir de l’interaction et du langage envisagé comme interface sensible entre les êtres et les choses. Cette quête de créativité situe son terrain d’expérimentation aux franges de la perception, à la lisière entre art et philosophie.

artiste multidisciplinaire diplômé en 2018 de l’Ecole Supérieure des Arts visuels de Mons en Belgique, section IDM©. Ayant fait de l’électricité le matériau principal de ses créations, son travail explore une forme de poésie machinique permettant de manifester l’invisible. Visant l’altération de notre perception usuelle des choses, il construit pendant de nombreuses années des dispositifs faits d’eau, de lumière et d’électricité permettant d’éprouver les limites de nos sens. Il travaille aujourd’hui principalement avec le sonore et l’électronique analogique, construisant ses propres dispositifs. Envisagé comme un phénomène vibratoire, le son est utilisé comme matériau sensible permettant une exploration de la matière, de l’espace et du phénomène électrique au sens large. Outils indispensables à ses recherches, les synthétiseurs qu’il construit depuis 2018 occupent différentes places au sein de ses installations en manifestant, de multiples manières, l’ensemble des chorégraphies électriques qui font la trame de ses projets.

Qui ?
–  Compositeur de musique électronique et instrumentale résidant à Paris
–  Alias : dlght, Futurstress, ID-6, pascience, Thomas DAVID
–  Co-fondateur de ABRI CATALOG, label audiovisuel (https://abri.work/)
–  Animateur de Threads*Rosa Parks, show mensuel sur la musique ambiante et expérimentale

Quoi ?
Musique inspirée par la footwork, le jazz, le club, l’ambient et la musique de films.
Une musique de contrastes entre expérimentation et harmonie, ambiance douce et force du rythme, spontané et construit.

Comment ?
Avec du Rhodes, de la basse, du synthétiseur modulaire, du piano, de la batterie, des boîtes à rythme, de la voix et des samples.

Où ?
Au chaud dans un home-studio, en concert, en Dj-set et en résidence.

Liens ?

www.soundcloud.com/dlghtbeats
www.facebook.com/dlghtbeats
www.abri.work
www.instagram.com/abricatalog


https://dlght.bandcamp.com/music

Deborah Lennie est née en Nouvelle Zélande et a grandie en Australie. Après ses études au CNSM de Sydney en chant et piano classique, elle entre à l’Actors Centre Sydney et reçoit une formation de comédienne. En 1996 elle s’installe en France Elle a travaillé avec les chorégraphes Rachid Ouramdane en tant que compositrice, chanteuse et comédienne (Sfumato, Franchir la Nuit), et avec Annie Hanauer en tant que compositrice et chanteuse (A Space For All Our Tomorrows) ; avec les metteurs en scène Tanya Gerstle, Georges Bigot, François Lanel ; en poésie sonore avec Sonia Chiambretto, Luc Bénazet, Benoît Casas, avec des musiciens Patrice Grente, Jean-Baptiste Julien, Naoto Yamagashi, François Chesnel…

En 2011, elle fonde la compagnie  »FOR WANT OF A BETTER…  » dont elle assume aujourd’hui la direction artistique. La compagnie a été accueillie en France, en Norvège, en Macédoine, en Russie et en Ukraine, et a reçu le soutien de la région Basse-Normandie et de l’Institut français pour plusieurs projets.

Depuis 2020 elle est artiste associée au Théâtre du Champ Exquis, Scène Conventionnée d’intérêt National Art, Enfance, Jeunesse.

Malgache, Zoë DINAMPITIA est interprète à l’international et fonde TAHALA COMPANY en 2004. Très ancrée sur le territoire de Tamatave, elle ouvre en 2005 le Centre Formation Dihy Mahavelona. Elle crée la même année le festival MITSAKA qui réunit des centaines de danseurs de toute l’île et des compagnies étrangères. Dans cet élan naît le réseau M3R (Madagascar, Maurice, Mozambique et Réunion), qui promeut le développement et la professionnalisation de la danse dans l’Océan Indien.

En 2017 sa pièce Tsingy est finaliste aux jeux de la francophonie en Côte d’Ivoire, en 2021 son solo Sambofotsy est lauréat du Visa pour la Création.

Victor TOUTAIN
Après quelques années à appréhender les mécanismes de fabrication de la ville contemporaine au sein de l’agence d’architecture et d’urbanisme germe&JAM, Victor a décidé de rallier le maquis il y a 3 ans pour œuvrer activement au sein du collectif yakafokon, dont il est membre fondateur. Depuis lors, on trouve pêle-mêle dans son attirail, un sac de randonnée, des chaussures de sécurité, une caisse à outils, des feutres, un micro-enregistreur et une blouse blanche. Avide de rencontres et d’expériences collectives, Victor évolue également au sein d’autres équipes : Sentiers Métropolitains avec lequel il conçoit des Refuges Métropolitains, hospitalités disséminées le long du Sentier du Grand-Paris, le collectif la bourlingue, au sein duquel il anime des ateliers mêlant architecture et théâtre, et l’Agence Nationale de Psychanalyse Urbaine où il exerce en qualité d’architecte du fort intérieur pour accompagner les villes et les territoires vers le nirvana urbain.

Louise GRANGER

A l’issue de son diplôme de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Normandie, Louise enrichit son parcours professionnel d’expériences au sein d’agences d’architecture à Rouen et à Paris avant de prendre le large et du recul sur la pratique du métier. En quête d’aventure, son enfance passée au Havre la rattrape et elle part à la voile pour traverser le Pacifique pendant plusieurs mois. A son retour, elle s’investit au sein du collectif yakafokon, aux côtés de ses camarades d’école. Son appétence pour les processus collectifs, l’expérimentation de la matière et le plaisir de faire lui permettent de s’engager pleinement comme architecte constructrice. En parallèle, elle effectue des missions en qualité de constructrice-machiniste dans diverses structures d’événementiel et de spectacle vivant (104-Paris, CPR, collectif Parenthèse) lui conférant un profil tout-terrain, en atelier comme sur le chantier.

Victor & Louise

Au sein du collectif yakafokon, Louise et Victor réalisent des projets en conception-réalisation dans les champs de l’architecture, du design social, de l’urbanisme culturel, de la médiation et expérimentent des processus de création collaboratifs à différentes échelles, des ateliers de co-conception, des chantiers ouverts et des résidences artistiques. A chaque projet, yakafokon essaie de créer des dynamiques collectives pour explorer de nouvelles manières de fabriquer les espaces du commun. Depuis quelques années, le collectif questionne notamment la place accordée aux enfants et aux jeunes dans les projets d’aménagement et s’engage à imaginer l’avenir avec eux.

Elle intègre au collège un cursus horaire aménagé danse au conservatoire de Rouen qu’elle achèvera avec l’obtention du baccalauréat Technique Musique et Danse en 2011.
Elle poursuit sa formation à Lille avec une licence Art parcours études en danse où elle découvre et traverse le travail artistique de chorégraphes tels que Loïc Touzé, Hofesh Schecter, Olivier Dubois, Anne Teresa de Keersmaeker…

Après une initiation en art thérapie, son parcours et ses rencontres l’amènent à travailler dans une association montpelliéraine (L’aura danse) ainsi que d’intervenir dans plusieurs écoles primaires avec l’enthousiasme et l’envie de transmettre, de sensibiliser, de découvrir la danse dans un contexte pédagogique. En 2020, de retour en Normandie, elle rencontre “la troupe des rêveurs” qui sème leurs arts sous les fenêtres des habitants et intègre la compagnie NOESIS dans laquelle elle participe au projet Carnaval Sauvage.

Infos +

Elle s’est d’abord formée aux claquettes puis à la danse contemporaine. Au Pont Supérieur de Nantes où elle obtient le Diplôme d’État de professeur en 2015, avant de poursuivre une formation de danseuse-interprète à l’École Supérieure du CNDC d’Angers. Actuellement, elle travaille en tant qu’interprète pour la compagnie NOESIS. Elle est également danseuse et chorégraphe associée pour la compagnie Murmuration, et travaille avec Sarah Pellerin-Ott pour le projet de recherche chorégraphique La Flemme.
Depuis 2020, elle s’associe à Agata Jarosova pour chercher et créer ensemble à partir de matériaux inconnus pour elles. Parallèlement, elle se forme à la pratique du Shiatsu, soin énergétique basé sur la médecine traditionnelle chinoise.

Créations

Lorène Plé est diplômée de l’école supérieure d’arts & médias de Caen/Cherbourg (DNSEP Art option Art en 2020). Elle a suivi un cursus en danse Jazz au Conservatoire régional de Caen de 2012 à 2019 et pratique les arts martiaux : Aïkido, Capoeira et Qi Qong.
À travers différents médiums (dessins, sculptures, vidéos, sons, écritures, maquettes, photographies), elle poursuit depuis plusieurs années une recherche qui l’implique activement dans les espaces qu’elle traverse. Fabriquer des outils et dispositifs d’écoute et de visualisation pour augmenter et explorer de nouvelles modalités de perception du corps dans le monde en tant que système environnemental. Ses outils ont pour vocation d’ouvrir des espaces de méditation, réflexion, pensée, concentration nouvelles dans le souhait d’un partage qui veut transmettre et communiquer ses propres expériences. Ses recherches tendent à confronter le langage artistique à d’autres domaines scientifiques : biologie, géologie, informatique, électronique, médecine… Ses dernières recherches l’ont conduite à la conception d’un four solaire, un objet complexe métaphorisant des systèmes physiques, terrestres fondamentaux (effet de serre, transformation moléculaire, dynamique de l’énergie solaire.)
Elle a récemment participé à Caen à l’exposition des diplômés à l’église Saint-Nicolas puis à la Résidence de recherche de l’Artothèque de Caen.

Julie Hega est chanteuse, actrice et plasticienne. Après 10 ans au Conservatoire de Caen où elle étudie le violoncelle, le chant choral et l’orchestre, elle se passionne pour le théâtre et les arts plastiques qui viennent enrichir une pratique artistique pluridisciplinaire. Entre 2013 et 2015, elle suit la formation professionnelle de comédien à La Cité Théâtre (Caen). Au cours de son cursus, elle rencontre deux artistes avec lesquels elle travaille par la suite : François Lanel, avec qui elle crée Massif Central et Thomas Jolly de la Piccola Familia pour Le Ciel La Nuit et la Pierre Glorieuse, une série théâtrale créée au Festival d’Avignon en 2016. Elle joue en 2017 dans la pièce Sombre Rivière, créée avec la compagnie Vita Nova, dirigée par Lazare, au Théâtre National de Strasbourg. La même année, elle est nommée Talent Adami Théâtre et collabore avec Samuel Achache et Jeanne Candel (Collectif La Vie Brève) pour la création du spectacle La Chute de la Maison au Festival d’Automne (puis elle travaille sur une version radiophonique de cette même pièce avec France Culture). Depuis cette collaboration, elle développe sa pratique du chant lyrique avec Sylvie Deguy et Nikola Takov, en s’intéressant à la plasticité vocale. En 2019, elle interprète Desdémone dans la pièce Othello mise en scène par Arnaud Churin, créée à la Scène nationale 61 et reprise au Théâtre de la Ville (Paris). Enfin, elle a fait partie des trois artistes français élus par le Ministère de la Culture pour participer à la Commission Internationale du Théâtre
Francophone. Elle joue dans l’opéra Innocence dont la création mondiale s’est tenue au Festival d’Aix-en Provence en 2021, avant d’être repris à Amsterdam, Helsinky et Londres. Une œuvre musicale multilingue inédite composée par Kaija Saariaho, dirigée par Susanna Mälkki et mise en scène par Simon Stone, à voir sur Arte Concert.

Céline Ohrel est comédienne, metteure en scène et auteure. Elle a étudié la philosophie à Rennes et en Pologne. Elle consacre son travail de DEA au théâtre de la mort de Tadeusz Kantor au regard de la philosophie de l’existence. Puis elle part à Bruxelles, où elle intègre l’INSAS en mise en scène. Durant ces années, elle joue dans différentes formations, projets, stages et se forge une expérience d’interprète en marge de ses premiers essais personnels. Sa route continue, protéiforme, dans le monde professionnel entre la Belgique et la France. Elle a joué notamment pour Galin Stoev (Liliom), Adeline Rosenstein (Décris-Ravage), Léa Drouet, Thibaut Wenger, Jean-Baptiste Calame (Les Viandes magnétiques), Martin Legros et Sophie Lebrun (Orphelins-Vertige de l’Amour, Collectif Cohue), Fanny Catel et Jean-Noël
Françoise (Compagnie Hors d’œuvre)… Côté mise en scène et écriture, elle a été assistante à la mise en scène dans la compagnie de danse Mossoux-Bonté (Belgique) et crée en 2011 sa compagnie Diplex avec Arnaud Poirier, son compagnon musicien photographe et anthropologue. Elle écrit et met en scène Enfant Zéro en 2012, Eden Expérience(s) en 2016 avec le soutien de La Communauté française
Wallonie-Bruxelles. Ces deux premières créations sont coproduites avec le Théâtre de La Balsamine (Bruxelles). Diplex travaille aussi sur des formes hybrides comme UR (Théâtre de la Balsamine-2012), La Promeneuse (Festival Premiers Actes- France-2013), et nomorefuture à Caen (Réseau DOG – France) avec l’aide la Région Normandie. En 2015, Céline Ohrel a été invitée par Georges Banu pour intervenir à la Sorbonne dans le colloque organisé à l’occasion du centenaire de Tadeusz Kantor, pour partager ses recherches philosophiques sur son œuvre. En 2020/2021, elle crée Halloween Together et travaille actuellement à l’écriture d’un nouvel opus : MY STORY.

Samuel Buckman aime travailler avec d’autres pour expérimenter de nouvelles énergies, comme au sein du collectif CLARA ou encore avec le collectif Atelier Réalité. Il explore le champ de la performance avec la chorégraphe Viviana Moin ou esquisse d’autres formes de dialogue artistique avec des autrices comme Perrine Le Querrec,. Il aime aussi les résidences artistiques qui sont prétextes aux rencontres pour enrichir et déplacer ses projets. Lorsqu’il est seul, il marche dans des zones portuaires, des chantiers désaffectés ou à travers champs. Durant ses déambulations, il filme la danse des objets inertes que le vent anime, ramasse des objets rebuts, clous rouillés, cornets de frites, tessons de céramique et billes en tout genre porteurs d’un « potentiel possible ».

Sites

samuel-buckman.tumblr.com
unjourestundessin.tumblr.com
dessinselementaires.tumblr.com
lesjumeauxdelart.tumblr.com

Collectif CLARA
collectifclara.eu

Collectif Atelier Réalité
collectifatelierrealite.tumblr.com

Avec Viviana Moin
minotaure75.tumblr.com

“Jeunes architectes, nous partageons un discours commun teinté de rencontres, d’échanges et d’engagements (environnementaux, politiques, sociaux et sociétaux). Ces derniers semblent indissociables de notre pratique de l’architecture. Le bon sens et la sincérité des événements de la vie quotidienne représentent une source d’inspiration inépuisable. Nous aspirons à les révéler, à impulser des dynamiques positives et conviviales.
Le format de la permanence architecturale – expérimenté lors de précédents projets – correspond à notre manière de pratiquer l’architecture. Nous pensons l’architecte comme un médiateur entre les différents acteurs du projet, un facilitateur qui donne les moyens d’accomplir les désirs des usagers. Sa mission : initier un espace vécu, durable dans le sens de l’appropriation et de sa mise en œuvre. L’acte de Faire ensemble, permis grâce à l’horizontalité des rapports entre les différents acteurs, permet une prise de conscience des enjeux véhiculés par le projet.”

De formation littéraire, Laura Mazeaud bifurque rapidement vers les arts scéniques et devient danseuse, chorégraphe et comédienne. En Angleterre, elle découvre le physical theater au sein de la jeune compagnie Jasmin Vardimon, et la danse inclusive auprès de la StopGap Dance Company. Sa polyvalence fait d’elle une artiste engagée. Elle chorégraphie plusieurs pièces pour des festivals, clips et pour la série télévisée SKAM. En 2020, Laura devient chorégraphe de la compagnie Ellaya et commence la création de la pièce Tribulations de jeunes filles (dé)rangées début 2021.

Cie Ellaya

Neysa May Barnett conçoit écrit compose enregistre interprète et produit depuis 2017 les
morceaux du groupe UTO. Elle a également inventé avec Jean-Pierre et Emile Larroche le
spectacle musical Le Présent c’est l’accident qu’ils jouent depuis 2019.

Spectacle

Au pilotage des synthétiseurs analogiques au sein des groupes de noise rock français Marvin et La Colonie de Vacances pendant presque deux décennies, Emilie Rougier, musicienne autodidacte, skateuse, surfeuse et djette, exprime désormais sa créativité dans la production de fictions radiophoniques, l’habillage sonore de pièces de théâtre et la composition de musiques de documentaires. Originaire de Montpellier, elle vit et travaille aujourd’hui en Bretagne.

Diplômée de l’école supérieure d’arts & médias de Caen/Cherbourg, elle travaille le dessin et l’illustration.
Son approche du dessin se fait sous forme de lignes simples et précises, de formes épurées esquissées à l’encre. Elle a fait de son coup de crayon, faussement enfantin et parfaitement maîtrisé, une véritable signature. Alice Dufay décline son univers, aussi onirique que poétique, sur tous les supports.

perluete.normandielivre.fr

Virginie Meigné capte le mouvement artistique et restitue l’ambiance live avec son regard propre. Elle parvient à transmettre l’éventail de couleurs qui baigne l’image. Sa collaboration avec plusieurs compagnies de danse et de théâtre lui a permis de diversifier ses approches. Dans ses reportages sociétaux, elle se place à même hauteur que le sujet. Jamais une image « prise d’en haut. « 

Géographe de formation, Emmanuel Blivet réalise ou est à l’origine de commandes de presse nationale et d’entreprises. A chaque projet son langage. Il souhaite rester libre et ne pas s’enfermer dans un style. Il participe à des projets collectifs d’exposition et éditoriaux ( revue Michel et magazine en ligne Grand Format),  et ouvre sa pratique aux différents médias pour raconter le monde en Normandie et ailleurs, avec une approche sociale et environnementale souvent liée aux enjeux de territoires.

Journaliste indépendante à Caen pour des médias régionaux et nationaux, membre fondatrice du média normand Grand-Format et de la revue Michel. Auteure de documentaires sonores et multimédia. Enseignante vacataire à l’université et intervenante en éducation aux médias dans les établissements scolaires et en prison, résidences de journaliste et projets culturels. 

L’Activateur de Territoires est créé en 2018 avec Jeanne de Reviers, paysagiste. Implantée en Seine-Maritime, l’association a pour objet d’intégrer les enjeux de la transition écologique dans les choix d’aménagement du territoire. C’est dans ce contexte que Clotilde anime l’initiative « Douvrend réinvente la campagne » près de Dieppe où elle y interroge avec les habitants, les usages et le paysage des espaces publics du village, et y expérimente des propositions, contribuant à alimenter les réflexions sur la ruralité.

Maxime Bricheux et Rachel Doumerc (Le Havre) questionnent les interactions entre les habitants et leur environnement dans l’espace commun, là où ils peuvent vivre ensemble. Basé au Havre, TERR’O mène un travail complémentaire de recherche, d’expérimentation et de transmission en valorisant la maîtrise d’usage et les ressources in situ.

Architecte et photographe d’architecture, Antoine Seguin s’intéresse à l’occupation des sols et des murs. Ses travaux (photographie, illustration, édition ou installation) documentent ou provoquent les appropriations imprévues et discrètes. Parallèlement, il réalise des travaux de commandes pour les disciplines de l’architecture, du paysage et de l’urbain. Depuis 2018, il co-édite la revue Exercice.

Performeur, dj, danseur, organisateur d’événement autour de la musique et d’autres formes d’arts, Jean Vrai parle d’Amour. Il vient de créer un collectif artistique avec des ami(e)s, Love Louder, ils organisent des événements en journée ou l’amour et l’humain sont au centre.

Liz Santoro est une chorégraphe et danseuse née aux Etats-Unis, vivant actuellement à Paris. Elle co-dirige la compagnie de danse Le principe d’incertitude avec l’artiste Pierre Godard. Ensemble, ils créent des pièces de danse expérimentale qui explorent les points de contact entre le mouvement et divers domaines de recherche humaine tels que le langage, l’identité, la théorie de l’information, les neurosciences, la biologie cellulaire, l’attention, l’architecture et le paradoxe, pour n’en citer que quelques-uns.

Margot Dorléans s’investit dans les champs de la danse, de la performance et du soin. En 2014, elle crée au Havre la compagnie Du Vivant sous Les Plis. Elle place le corps en tant que matière vivante et poétique au cœur de ses projets artistiques à partir desquels se déploie la danse, l’espace sonore et celui du plateau dans ses créations chorégraphiques.

Plasticien, musicien et performeur issu d’une famille de circassiens, Rudy Dumas est un artiste touche à tout qui porte une attention particulière à l’installation, à la brutalité des matériaux, aux objets délaissés, une attention sensible à la frontière entre le brutal et le sensuel. Parfois, ce sont ses propres limites physiques qu’il éprouve, comme une énergie transmise qui rend hommage à l’objet.

Le producteur travaille avec des labels de Bristol (Livity Sound, Timedance ou Wisdom Teeth), mais aussi au sein de la scène française avec BFDM ou Fragil Musique et collabore également avec des artistes tels que Bambounou ou Low Jack. Il propose également ateliers et masterclasses. Son style se déploie un très large répertoire et lui permet de jouer avec de nombreux artistes.

Musicien, Vincent Condominas est membre des groupes Makeshift et VEIK. Depuis 2019, il accompagne le musicien Adrien Legrand. Guitariste et bassiste, il s’initie aux synthés analogiques par la composition et l’arrangement au sein de ces formations. Privilégiant une pratique instinctive de ses instruments, il affectionne autant les mélodies pop que les approches bruitistes.

Adrien Leprêtre a commencé la musique avec les Concrete Knives qui ont parcouru la France et l’Europe. Depuis, il développe Samba De La Muerte. Il intervient aussi comme conseiller artistique, producteur et arrangeur. Il expérimente avec son groupe de musique improvisée Mamba De La Suerte, qu’il associe dans sa démarche avec la création du label Collectif Toujours.

Actuellement étudiante à l’ésam Caen/Cherbourg, Adèle explore différents médias tels que la terre, les techniques d’estampe, le son, le volume ou l’écriture. Sensible à ce qui l’entoure, ses recherches s’orientent autour du rapport entre l’être humain et son environnement, au sens proche comme plus largement. Ses réflexions traversent ainsi les thèmes du rapport au corps ou au vivant, ou bien de l’identité culturelle des communautés et de leur usage des territoires.

Né en 1969, vit et travaille à Caen. Après un parcours universitaire en Philosophie à l’université Sorbonne-Panthéon, il se consacre ensuite aux Arts Plastiques. Jusqu’en 2009, il participe à de nombreuses expositions personnelles en France et dans le monde (Paris, Barcelone, Kiev, New York, Moscou…). En 2007, en s’associant avec la réalisatrice new-yorkaise Maryann De Leo, il réalise le documentaire White Horse, très remarqué dans les festivals internationaux. Cette première expérience de cinéma constitue pour lui une véritable bifurcation biographique puisqu’il cesse peu à peu de peindre pour se dédier progressivement uniquement au cinéma à partir de 2009. Sfumato est son premier long métrage. Il travaille régulièrement avec la cie Noesis.

Violoncelliste compositeur. Il travaille avec Ashley Chen à l’élaboration de bandes sonores pour les spectacles de la compagnie Kashyl, il utilise aussi bien les méandres de l’harmonie que la création de textures sonores concrètes inspirés par les sons extérieurs et les bruits vivants du chaos.

Après une solide formation en danse classique, Eléonore Guipouy se dirige progressivement vers le contemporain (l’Académie Internationale de la Danse puis CNR des Abbesses). En 2004, elle obtient un Diplôme d’Intervenant Spécialisé en Art Thérapie à la Faculté de Médecine de Tours et un Certificat d’Études Corporelles en Danse contemporaine à Paris III Sorbonne Nouvelle.

C’est en 2010 qu’elle co-fonde la Presque compagnie avec Charlotte Rousseau qu’elle a rencontrée quelques années plus tôt à la fac dans les cours de Lyse Seguin. Depuis elle l’assiste et danse dans les créations de la Presque Compagnie.

Elle a également travaillé avec Johnny Ludécher, Macha Makeïeff, Thomas Stäche, Christoph Marthaler, et les UPSBD Marlène Saldana et Jonathan Drillet et a dansé à l’Opéra de Lyon, à l’Opéra Garnier, au Théâtre de la villette, au Théâtre de Gennevilliers…

En 2014, elle obtient son diplôme d’Etat de professeur de danse contemporaine (au CEFEDEM de Normandie). Depuis, elle donne de nombreux cours de danse contemporaine et workshops dans différentes structures et développe les projets pédagogiques de la Compagnie. Elle obtient son Diplôme d’Etat de Professeur de danse contemporaine et dispense depuis de nombreux cours entre Paris et Rouen.

Artiste résolument pluridisciplinaire, danseuse, chorégraphe, musicienne, vidéo-artiste, Charlotte Rousseau revendique ses pratiques multiples qu’elle fait dialoguer pour produire des images (fixes ou en mouvements) et objets scéniques originaux et singuliers.

Depuis 2010, elle dirige LA PRESQUE COMPAGNIE, une fabrique atypique de spectacles vivants, de formes atypiques dansées, de performances, happenings et d’installations. « Presque » pour interdire d’être enfermé dans un genre, « Presque » pour laisser la liberté de la forme… Elle créée cette année « JUSQU’AU SOIR »,  « Plan B », « Oubli Total », « Activité Rémunérée » et différents projets in-situ ou performances comme »La Parade », « HOPE » les « Free slow »…

Elle développe aussi « Les vies possibles », un projet-concept qui catalyse son travail musical et vidéo, et avec lequel elle développe sur musique électro des projections audio-visuelles expérimentales; travaillant sur le temps et sa perception, interrogeant inlassablement le sens des images.

Il est né à Florence où il pratique l’athlétisme de 9 à 17 ans, étudie le violon et la guitare. Suite à un accident, immobilisé à l’hôpital, il a la révélation que seuls le son et le mouvement comptent pour lui, il a 20 ans. Il commence par étudier la danse classique au Centro Studi de Florence. Après les premières expériences avec le groupe Imago, il rencontre Kazuo Ohno, part pour Paris, étudie avec Catherine Diverres, Pierre Doussaint. Il travaille avec Sidonie Rochon, Brigitte Asselineau et dans plusieurs création de Santiago Sempere. Il participe à deux éditions du Skite (laboratoire international des artistes) à Paris et à Lisbonne. Il crée en 1993 la compagnie Silenda dans la quelle co-signe les chorégraphies, compose des musiques et élabore les décors.

Née en Toscane (Italie), Laura Simi se forme d’abord à la danse classique, puis à toutes formes de danses, à l’école CSD de Florence ; étudie le répertoire classique et baroque. Se forme à plusieurs techniques à Rome et Milan, en Allemagne et en Suisse. Elle se forme ensuite aux États-Unis avec Martha Graham, Alvin Nikolais et travaille à New York avec le chorégraphe Richard Haisma et des danseurs de M. Cunningham. Puis, elle est engagée dans la compagnie Imago en Italie. En 1993 elle fonde Silenda avec Damiano Foa.

Alexandre Le Petit a travaillé à Bruxelles comme dramaturge pour de nombreuses compagnies et projets interdisciplinaires. Il fonde à Caen avec Flora Pilet la compagnie Noesis et l’institut nomade en 2014, où ils développent recherches, expérimentations et hybridations et font exister des questions philosophiques et politiques au cœur du champs artistique et culturel. Leurs créations relient également le plateau comme micro-politique aux espaces intermédiaires, aux espaces publics et aux marges, aux hôpitaux psychiatriques, aux maisons de retraites, aux prisons, avec un lien fort au cinéma, à la musique, et à la radio.

Flora Pilet s’est formée à la danse contemporaine d’abord dans les cours d’Isabelle Journiac, puis au conservatoire d’Orléans. Elle poursuit sa formation à Paris en parallèle d’études de philosophie à Paris VIII. Elle s’intéresse à différentes pratiques somatiques et au contact improvisation issues de l’enseignement de Patricia Kuypers, Alain Monterbran, Benoit Lachambre, Sarah Shelton Man, Fabrice Ramalingom ainsi que de la danse butô qu’elle découvre dans l’enseignement de Sumako Koseki.

Ashley Chen fait ses études au Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris et intègre la Merce Cunningham Dance Company. En France, il rejoint le Ballet de l’Opéra de Lyon jusqu’en 2006 puis multiplie les collaborations en Europe. En 2012, il fonde la compagnie Kashyl et travaille sur sa prochaine création de groupe Distances.

Réalisateur québecois installé à Trouville, il a réalisé plusieurs films à travers le monde avec le mouvement Kino. Il se spécialise dans la réalisation de court-métrage de fiction mais a aussi tourné plusieurs clips, des séries web et a participé à plusieurs projets artistiques pluri-disciplinaires. Il encadre des ateliers vidéos avec les jeunes depuis 2015 en France et en Belgique.

Musicien, auteur et compositeur de formation (en groupe et en solo), il a intégré la nécessité de maîtriser la production vidéo dans le cadre de sa communication qu’il a pu développer avec plusieurs réalisateurs dans le cadre du festival Off-Courts. En 2020, il crée La CLEF, structure dédiée à la citoyenneté, la laïcité et la culture à travers la pratique artistique, musicale et vidéographique.

Formé à la réalisation cinématographique documentaire, il découvre le travail du son qui l’amène au spectacle vivant. Depuis 2004, il collabore en tant que musicien avec des compagnies de danse et de théâtre. En parallèle, Il réalise des installations sonores, visuelles et numériques. Le rapport à l’image documentaire y est souvent présent comme sa pratique de la spatialisation sonore.

Cendres Delort explore le langage et son travail de création s’appuie sur le théâtre, la lecture publique, la performance, le graphisme, la photographie, les entretiens sonores et passe régulièrement par une période de recherche et formation qui engendre rencontres et collaborations. La spatialisation de ses œuvres est une préoccupation centrale, aussi bien dans des lieux fermés que dans l’espace public.

Yann Fontbonne (Juste Oreilles) pratique les musiques improvisées et électroniques, le live sur machines et instruments de percussions, ainsi que les différentes étapes requises par la production musicale qu’il développe au sein du Studio Neura, dédié à tout type de créations sonores.

Est- il possible que l’homme nostalgique puisse apercevoir une image heureuse de l’altération causée par le temps ? En me promenant dans de nombreuses fondations en fin de vie, laissées à l’abandon, en déambulant dans ces ruines qui étaient auparavant de somptueuses bâtisses remplies de trésors et mobiliers tous si riches d’histoire et de souvenirs, je voyage. Dans ces anciennes friches industrielles, j’admire les façades usées par le temps, craquelées par l’usure, c’est déjà une forme d’art. Mon rôle sera ainsi de garder en mémoire ces lieux, à l’aide de la peinture, de la sculpture, de l’installation, mais aussi la photo. Un jour, ce dernier pan de mur tombera. Il laissera ainsi place à un nouvel espace. Ce lieu à son tour vivra, puis avec le temps, il sera un jour détruit. C’est le temps qui passe, et qui ouvre aux curieux de nombreuses façon de raconter et de recréer des histoires.

Diplômé de l’ésam Caen/Cherbourg en 2015, Adrien Melchior est artiste, designer sonore freelance (et intervient aux Gobelins l’école de l’image Formation Design et Management de l’Innovation Interactive), photographe et musicien. Basé entre Paris et la Normandie, il explore de nombreux territoires créatifs avec la même sensibilité et un goût pour la narration.

Diplômé de l’ésam Caen/Cherbourg en 2018, il fait du voyage une source de création et de productions (installations, photographies et récemment le livre avec Les États-Unis d’Amérique aux éditions [dere]) qu’il pratique en auto-stop sans argent, ni téléphone et dérivant au gré des rencontres et des circonstances. Il pense le voyage par les mots et les images et les gestes.

Producteur (Souleance, Peter Digital Orchestra, Claude), Fulgeance produit un son autant inspiré par les musiques des années 70 que le hip hop instrumental et électronique et la musique noire. Présent sur de nombreuses scènes internationales, il publie sur son label Musique Large mais aussi chez Ed Banger. Il développe un format « quartet » de Souleance et prépare un album et live solo pour 2021.

Nicolas Marsanne est multi-instrumentiste et collabore en tant que guitariste et arrangeur à deux albums de Katel. Avec Grand Parc et Annie Langlois, il sort un album en 2015 et Pull Noiren mai 2020. Il joue dans différents groupes et produit et réalise plusieurs albums pour d’autres. Enfin, il s’investit activement dans des projets d’action culturelle basé sur la création de paysages sonores.

Musicienne, elle est en 2012 à la guitare électrique et aux chœurs avec le groupe Embrasse-Moi puis se concentre sur le groupe Grand Parc avec Nicolas Marsanne dont le travail de co-écriture mène à un album et une tournée en 2015 puis Pull Noir paru en mai 2020. Depuis janvier 2020, elle est claviériste-choriste pour le groupe King Biscuit (dont Hammer it ! est sorti en février 2020).